Обновления сайта

5 ноября 2017

Предлагаем вашему вниманию фотоотчёт с недавнего концерта Юлии Зиганшиной «Полынь и роза»!

Архив обновлений

Мастерская

Чем отличается романс от лирической песни?

Сразу оговорюсь: то, о чём напишу — исключительно моё мнение, скорее всего, спорное, с большим количеством исключений. Но, тем не менее, вопрос этот мне интересен и пока внятного для меня ответа никто не дал.
Результатом моих раздумий на эту тему и будет нижеизложенное, но сначала чуть теории для того, чтоб по полочкам.
Что такое ритм? Ритм — это основа музыкального произведения. Я вообще думаю, что это самое главное в музыке. Тоже, как выяснилось, вопрос не для всех однозначный, но для меня решённый.
Ритм — это сердце произведения. В статье про ритм (она чуть ниже) есть слова о том, что человек может быть чёрным или белым, младенцем или пожилым, мужчиной или женщиной, наконец. Но если стучит его сердце, он — жив. Так же и в музыке: могут быть красивые ноты, гармонии, но без ритма музыка мертва. Ритм нужно стремиться услышать, понять, почувствовать, найти и не терять, цепляя долю буквально в каждом такте. Причём, ритм может быть разным — как, повторюсь, стук сердца. Быстрее или медленнее, сильнее и слабее, но биение должно быть ритмичным, иначе, как сказал Марк Пекарский, — аритмия, что есть болезнь — как в жизни, так и в музыке.
Пульсация в музыке — это одно из проявлений ритма. Ну, например, мы танцуем вальс и про себя говорим: «раз-два-три, раз-два-три», тем самым определяя пульсацию произведения. Но иногда пульсация бывает совсем незаметна, когда, например, мы поём речитативом или в свободном ритме — ad libitum (фраза, в переводе с латинского означающая «по желанию», «по собственному усмотрению»). Но это не значит, что ритма нет. Он есть, просто другой — свободный. Давайте сравним прозу и поэзию. Со стихами всё понятно, но и в хорошей прозе тоже есть ритм, просто он другой, и его нужно услышать, понять и принять.
Так вот, мне кажется, что романс — это музыкально-поэтическое произведение, которое возможно исполнить в свободном ритме. Лирическую песню — нет. Это не значит, что все романсы мы поём свободно, но такая возможность — практически в каждом сочинении этого жанра — есть. (Здесь, конечно, нас подстерегает опасность развалить произведение: надо обязательно помнить, что ритм-то должен остаться и что свобода — это осознанная необходимость — и в пении тоже!)
То есть, если произведение позволяет перейти на речитатив, задержаться на нужной вам ноте, поторопиться в следующем такте, сакцентировать буквально каждую ноту, если того требует замысел, — в романсе вы это можете сделать свободно, он вам позволит так поступать с собой. А вот песня нет: она тут же начнёт подсказывать пульсацию, уводить в нужный метроритм. И все средства выразительности вам придётся применять в заданных рамках.
Например, романс «Я помню вальса звук прелестный». Несмотря на то, что это однозначно вальс, вы сможете его исполнить в свободном ритме — рассказывая и размышляя. А вот песня «Что так сердце растревожено» — даже если вы попытаетесь начать петь свободно, она всё равно вас потащит за собой и вовлечет в свой ритм. И это однозначно — песня.
Казалось бы, разница смешная, формальная, основанная на тонком нюансе. Но она есть, и имеет, как мне кажется, очень глубинные и основательные корни: романс — это всё-таки разговор или размышления, воспоминания или мечты, в которых нам никто не указ, которые мы воспроизводим так, как мы этого хотим. Я бы сказала так: романс — это ещё до конца не сформированные размышления, думы в процессе, разрешающие монолог или даже спор с самим собой, а песня — более ясные мысли, некоторый результат, дающий возможность выражаться конкретнее, определённее. Ну, это в общих чертах.
Конечно, ещё раз повторюсь: всё спорно и неоднозначно. Но принципиальная разница мне видится именно в этом.
Теперь о главном: какая нам разница в этой разнице? Что мы с этим можем поделать и как практически применить?
Ну, во-первых, приятно осознавать что именно ты поёшь. Иногда это бывает принципиально, когда нужно остаться в том или ином жанре: например, заявляешь концерт романсов, а в результате поёшь одни песни.
Во-вторых, важно для людей пишущих: нередко встречаются песни, названные романсами. Автор назвал своё произведение так, потому что по характеру ему это видится романсом, но произведение на любовно-лирическую тему — это ещё не романс.
А в-третьих, из этого можно почерпнуть новые средства выразительности, сделать их более осознанными, понять, что в романсе важнее свобода, а в песне — сильной стороной может стать пульсация, которая в свою очередь поможет нам полнее раскрыть яркие стороны самой песни.

Как учить наизусть?

Учить наизусть — часть профессии любого артиста. Певцы обычно быстро запоминают мелодию, но с поэтическим текстом часто возникают сложности. По крайней мере, если мелодия у большинства сама ложится на слух, то текст запоминается сам только у единиц, а остальным приходится прилагать усилия, чтобы он закрепился в памяти. Конечно, у каждого свои секреты, свои способы — как это сделать. Я поделюсь своими, буду рада, если они пригодятся!

Естественно, нужно ПОНИМАТЬ, о чём мы поём. Эта фраза звучит так часто, что уже почти банальна. И, тем не менее, она не потеряет актуальности никогда. Но сейчас я хочу сказать о том, что первый шаг к запоминанию текста это… понимание, о чём мы поём. Понимать, а ещё лучше — представлять в подробностях всё то, о чём поётся. Или ещё лучше — стать героем этого повествования до такой степени, что посмотреть на ситуацию изнутри — как герой мультфильма, кажется, Петя, который попал в «Красную шапочку», помните? То есть, не смотреть на «экран» стиха, а стать его главным действующим лицом.

Я на мастер-классах часто говорю о работе над дикцией и предлагаю упражнение, которое помогает в этой работе. Напомню: упражнение состоит в том, чтобы произносить текст, утрируя каждую букву — раскатывать «р», выталкивать «т», «п», «к», при произнесении «м» не просто сомкнуть губы, а втянуть их в себя, и так далее. Этот способ очень помогает сделать дикцию внятной и вкусной. Но это ещё и помогает запомнить наизусть: кроме памяти слуховой, визуальной начинает работать память мышечная. Проверено на себе: иногда совсем не помнишь, какое слово — следующее, а рот как будто сам его произносит.

Так же я часто говорю о «звукописи» в исполнении песни: «длинный» — чуть растяните «и», «хруст» — «прохрустите» две первые буквы, «топот» — «ударьте» по согласным. Этот способ опять-таки улучшает дикцию и помогает запомнить текст: если вы наделили слово дополнительным — звуковым смыслом, вы его никогда не забудете!

Как запомнить одно конкретное слово, если оно постоянно предательски выпадает из памяти? Попробуйте соединить последний слог предыдущего слова и первый — незапоминающегося. Например, «Буря мглою небо кроет». Допустим, слово «небо» мы не можем запомнить. Соедините «ю» с «не», образовав новое полуслово «юне», и повторите его много раз. А теперь всю строчку! Чувствуете, что «небу» некуда деваться — оно вылетает само.

Как запомнить начало следующей строчки? Я иногда составляю опять-таки полуслово из начальных букв каждой строчки. Например, Есенин:


Отговорила роща золотая

Берёзовым весёлым языком,

И журавли, печально пролетая,

Уж не жалеют больше ни о ком.


Составляем условное слово «ОБИУ». Мы, конечно, никому об этом не скажем. Иногда «слова» получаются не очень красивые, но для пользы дела пригождаются. Иногда достаточно только намёка на следующую строчку и одной буквы бывает достаточно. Так же можно выстраивать в ряд начальные буквы каждого куплета. Конечно, делать это нужно не всегда, но как один из способов в трудной ситуации — очень помогает.

Иногда не нужно учить сразу весь текст: если время позволяет и не надо петь песню срочно — выучите сегодня только первый куплет, но уже надёжно, то есть, в течении дня несколько раз к нему возвращаясь. Завтра — второй, но закрепляя с первым. Три дня — песня готова!

Делюсь этими способами смело, потому что они проверены на себе. Конечно, все мы — живые люди и всякое случается, но пусть это будут только единичные случаи в наших концертах!

И самое главное, что хочу сказать: наша память, оказывается, тоже имеет мышцу! Условную, конечно, но она тренируется! Чем больше занимаешься заучиванием наизусть, тем легче и легче делать это с годами. Ну, говорят, и для здоровья полезно! Удачи!

P. S. Мне напомнили ещё об одном действенном способе, который очень хорошо работает: переписать текст от руки. Иногда я это делаю прямо перед концертом — на клочке бумаги быстро записываю самый трудный текст, который предстоит прямо сейчас спеть и он, действительно, «укладывается по полочкам»!

Манерность.
Почему-то многие исполнители думают, что просто петь — неинтересно. Что нужно голосу придавать специальный окрас, использовать форшлаги, подъезды к звуку и другие средства выразительности. И они абсолютно правы! Обязательно надо уметь это делать. Хуже, если в каждой песне используются одни и те же приемы, тембр имеет одну и ту же окраску, а исполнение — один и тот же градус эмоционального накала. Эти повторяющиеся приёмы не вносят разнообразия в исполнение, но мы всё-таки можем говорить о МАНЕРЕ исполнителя. И опять — это не так уж плохо, если исполнитель хочет быть узнаваемым с первой ноты и боится потерять поклонников, полюбивших его именно эту за эту манеру. Мне кажется, что петь всегда в одной манере несколько скучно, особенно если речь идёт о целом концерте, но это — выбор каждого артиста.
Но, случается, певец особенно настойчиво использует свои приемы — повсюду, по делу и без дела (потому, что он так привык и без этого ему самому не интересно), вот тогда можно говорить о МАНЕРНОСТИ. Вот это уже, как мне кажется, тупиковая ситуация. Представьте себя живописцем, у которого есть ведро зелёной краски. Вы задумали нарисовать поле. Прекрасно! Ваше ведро вам очень пригодится, и поле получится выразительным, правдивым и так далее. Потом вы задумаете нарисовать небо. Но у вас — всё та же зелёная краска. Да — скажет зритель, — в этом что-то есть, нестандартное решение, новое направление и т. д. А потом вы задумаете нарисовать море. И опять зелёной краской! Ну сколько можно — скажет зритель, — других цветов что ли у него нет?! А ведь и правда — нет! Сюжеты берем разные, а средства выразительности — одни. Что делать? Надо попробовать вернуться к чистому холсту — спеть песню абсолютно ровным, безэмоциональным, неокрашенным звуком. Если это трудно сделать, попробуйте спеть гамму, или мелодию, но на «ля-ля-ля», что бы услышать себя по возможности объективно. Это поначалу будет очень трудно — ваша манерность будет вас преследовать и вылезать при каждом возможном случае. Но со временем вы научитесь петь простым звуком. И вот этот звук мы берём за основу. Вот теперь, научившись петь так — просто — можно начинать думать над каждой песней: какой звук, какой тембр подойдёт сюда, какая степень эмоционального напряжения нужна в этом произведении, какие украшения подойдут в данном случае и нужны ли они здесь в принципе. Ваш голос — инструмент, холст, лист бумаги, которому предстоит создать нечто замечательное. Так берите чистый лист, чтобы максимально раскрыть ваши задумки! А если вам дороги ваши находки и вы боитесь их растерять — не бойтесь! Они — ваши. Вы в любой момент сможете их применить. Вы их нашли, и пропасть они могут только по вашей воле. Но не бойтесь искать дальше — вдруг найдётся ещё много чего интересного!..
Кульминации.
Возможно, вы всё про них знаете! В таком случае можно дальше не читать. Или прочитать и что-то добавить, с чем-то не согласиться и поспорить.
Мы все знаем, что она должна быть. Кульминация. Во всем. Во всех видах искусств: в картине, в книге, в стихе, в музыкальном произведении любой формы, в фильме, спектакле. Сегодня будем говорить о песне.
Не зря статья называется «Кульминации», потому что речь будет идти о ряде кульминаций, необходимых песне. Пойдём от крупного к мелкому: концертная программа. Состоит ли ваша программа из двух отделений, из одного, даже если из трёх песен, — высший накал должен быть достигнут к концу выступления. Потом могут быть бисы (они иногда бывают мощнее запланированной кульминации), но главная точка должна быть в основной программе. Несколько слов о самой программе: желательно, чтобы рядом не стояли произведения в одной тональности, в одном ритме и похожего настроения — иначе все эти песни будут слушаться, как одна. Нужен контраст во всем — и в аранжировочных моментах тоже: если у вас есть группа, то, возможно, в какие-то моменты некоторым инструментам лучше помолчать. Принцип всеобщей занятости (когда во всех песнях с начала и до конца играют все инструменты) — не самый лучший для музыки.
Все мы знаем — какие песни лучше у нас получаются и активнее принимаются публикой — это наши хиты! Они и могут стать наивысшей точкой в вашей программе. Либо премьеры — подарок для публики — то, что она ещё не слышала.
Лучше заранее позаботиться о том, чтобы программа не была очень длинной — всякому терпению есть предел. Даже если вас принимают на «ура», не упустите «точку кипения», чтобы уйти на подъёме, а не от уставшей публики, которая и хлопать от усталости уже не хочет. Бойтесь перекормить публику собой, а то в другой раз она к вам может и не прийти.
Но даже не о больших кульминациях мне хочется сегодня поговорить. Хочется подробнее остановиться на кульминациях в самой песне или романсе.
Конечно, разбирая песню, мы должны понять: где та главная точка, к которой мы идём, после которой начнётся эмоциональный спад, за которым последует финал. (Сразу оговорюсь: бывают случаи, когда кульминация приходится на последние ноты произведения). Итак, находим ключевой фрагмент. Если брать традиционную трехкуплетную форму, то, как правило, это последний куплет. (Опять оговорюсь — всегда возможны варианты, сейчас берем для примера самую традиционную песенную форму).
Следующий шаг: ищем кульминацию в каждом куплете. Она будет скромнее, чем общая, но она должна быть. Причём, в первом куплете накал ниже, чем во втором, а во втором — ниже, чем общая.
Идём дальше — находим кульминацию в каждой строке. Это, скорее всего одно слово, на котором держится смысл. Причём, эти слова (ключевые, которые вы чуть больше выделяете, как главные) можно менять при разных исполнениях. Например, фраза: «Я вас любил». Сегодня мы споём ровно, в следующий раз усилим «Я», в другой подчеркнём «Вас», а однажды споём весомо «Любил». Смысл чуть-чуть, да меняется. И в зависимости от того, что вы хотите сказать именно сейчас, что для вас актуальнее сегодня — вы и споёте. А пушкинский текст позволяет и даже сподвигает нас на сотворчество!
И верхом мастерства будет, если вы найдёте и покажете кульминацию в каждом слове! Это скорее всего одна буква — буква, которое подчеркнёт смысл этого слова. Здесь мы можем говорить о звукописи: фонетически усиливаем звучание гласных и согласных. Примеров много: в слове «длинный» — потяните чуть больше букву «и», и слово станет видимым. «Оркестр гремит басами» — раскатите «р», и оркестр загремит! Слово «вскинул»: произнесите «и» с дополнительным выдохом, оттолкнувшись от «к», и взгляд слушателя невольно устремится вверх. В слове «небо» попробуйте приподнять верхнюю губу и слово полетит ввысь.
Это очень интересная работа! Причём, стоит начать ею заниматься, и через какое-то время ваш слух сам начнёт отыскивать и подчеркивать такие слова, а зритель будет благодарен вам за визуализацию песни!
А ещё нужно помнить о том, что знаки препинания тоже надо исполнять! Иногда именно знак препинания может стать кульминацией! Если в середине строки стоит запятая или тире, то маленькая цезура обязательна. Ведь поэту этот знак нужен, значит, он несёт смысл, который и нашей песне необходим! Прочитайте стихотворение без музыки и вы, скорее всего, не сможете не сделать паузы. Так вот, и в песне она нужна! И я уже не говорю о восклицательных и вопросительных знаках, которые тоже должны быть слышны! Так же нужно интонационно выделять кавычки, скобки — и двоеточия по возможности тоже.
Что же у нас получается? Можно попробовать нарисовать график песни. И у каждой песни он будет индивидуальный, конечно.
Итак: от слова — к строчке; от куплетной кульминации к общей!
Как сделать кульминацию? Чаще всего она бывает динамической-либо самое тихое место в песне, либо, что чаще, самое громкое. Так же популярна ритмическая кульминация: мы можем поставить фермату — то есть протянуть главный звук столько, сколько сочтём необходимым. Можно добавить, как сказано ранее, фонетический эффект — особенно подчеркнуть нужный звук, можно усилить или наоборот исключить аккомпанемент. Можно приблизиться к микрофону или просто прошептать пару слов (только побеспокойтесь о том, чтобы шёпот был драматическим, то есть, слышным не только вам самому). Способов много, и хорошо бы в разных песнях использовать разные. Иногда встречаются провокационные моменты: музыкальная кульминация не совпадает с текстовой и приходится, например, на предлог или частицу. Думайте, как выйти из положения: что-то меняйте, двигайте, варьируйте, но «быыыы» не тяните!
Может возникнуть вопрос: а не слишком ли искусственен этот метод? Не проще ли петь по наитию — как душа попросит? Если ваша душа попросит так — пойте! Но не уверена, что зритель своей душой откликнется на ваш порыв. Потому что есть выверенные законы искусства! Ведь так это называется — ИСКУССТВО! То есть, надо сделать искусно, умело — то, что вызовет эмоции, всколыхнёт чувства и останется в памяти. И поверьте, что если вас что-то трогает как зрителя, то скорее всего за этим стоит большая работа Художника!
Про повторы.

Как известно, в жизни ничего не повторяется. Дважды в реку не войти. Через минуту мы уже другие, и всё вокруг через мгновение — другое! Идёшь каждый день по одному и тому же маршруту, а он чем-нибудь, да отличается: здесь светофор сломался, тут лужа после дождя образовалась, там знакомого встретил, вдруг на облака красивые посмотрел. Даже рутинные дела, которые наводят скуку, не такие уж рутинные и уж точно не одинаковые, если к ним внимательно присмотреться. Даже если всё-таки Ваши действия, как вам кажется, повторяются точь-в-точь, то ваше самочувствие может отличаться, и мысли, и сами мы, как уже сказано, сегодня другие, нежели вчера.
В музыке так же. Нельзя сыграть или спеть одно и то же произведение два раза одинаково. Не получится. И тем грустнее становится, когда исполнитель-таки пытается это сделать. Зритель видит, что вроде бы исполнитель хорош, но почему-то до конца ему не верит. Да, певец выучил, да, нашёл нужные интонации, сверил эмоции, придумал концепцию — всё готово казалось бы! И именно это он пытается тиражировать раз от разу: «вчера ведь хорошо звучало, вот и сегодня так же спою!» Но сделанная работа — это не конечный результат, а хорошая база для того, чтобы здесь и сейчас начать творить. Нельзя скопировать то, что мы сделали вчера, месяц назад, год назад. Сегодня абсолютно новый день, мы себя чувствуем по-другому, ощущаем себя по-новому, песню понимаем глубже. А к тому же — зал сегодня другой, и я уже не говорю про зрителей, каждый из которых сегодня обновлён, замечает он это или нет.
Что делать? Сначала постараться почувствовать, что песня так же актуальна, как и тогда, когда была выучена. «Оживить» текст. Можно попробовать на репетиции прочитать его как стихотворение, без музыки; представить своего любимого драматического актёра, читающим это стихотворение. Может, поискать новые интонации: например, выделить кульминационное слово сильнее, чем обычно, или выделить сегодня другое слово, сместив акценты, а, может, и найдя новый смысл. Даже если песня надоела — сил нет — а петь надо, то всё равно можно найти в ней что-то освежающее — спеть быстрее или медленнее, или чеканя каждое слово, или растягивая гласные — способов очень много!
Выйдя на сцену (или до начала концерта) постарайтесь оценить зал и особенно его размеры: на зал в тысячу мест и на пятьдесят человек петь нужно по-разному. Попробуйте «нащупать» дальнюю стену и представить, что ваш звук, ваша эмоция долетают до неё и возвращаются обратно — вот точное расстояние вашего посыла! «Крушить» стену — одна крайность, если звук «упал» не долетев до неё — другая. Берём в расчёт микрофон и ищем меру. Маленький зал позволяет работать чуть подробнее, большой зал требует более широких, крупных штрихов. Поэтому очень полезно чередовать залы большие и малые, чтобы не углубиться в мелочи и не утонуть в них, так и не увидев целого; но и не превратить своё творчество в махание шашкой без разбора и нюансов.
Зритель. Вот сколько человек в зале сидит — вот столько чувств, эмоций, проблем они сегодня принесли в этот зал. Надо понять — как себя чувствует зритель: если это фестиваль или сборный концерт, то сколько он уже послушал? Устал ли? Кто выступал до вас? «Разогрет» ли зал или вам предстоит это сделать? Если сольный концерт, то вам точно придётся всё сделать самому. От всех этих обстоятельств очень зависит — как петь именно сегодня. Неопытные исполнители перед выходом на сцену думают только о себе: насколько они взволнованы или сильно ли боятся, помнят ли слова, где микрофон и как подключить гитару (если она есть). А попробуйте посмотреть на себя со стороны: что видит зритель, что почувствует, взглянув на вас, сосредоточится или отвлечётся? И тогда вам станет понятнее — как петь именно сегодня: привлечь его внимание или он уже готов, рассказать ему песню подробно или он её знает, а вам нужно только напомнить её, но так, чтобы именно эти люди услышали в ней что-то новое. Или, если вы впервые показываете эту песню для этой аудитории, нужно представить песню в лучшем виде: донести максимально текст, мелодию, гармонию, эмоции, кульминацию. И вот, подумав обо всём этом, вы забудете, что волновались или даже боялись!
Отдельная история — припевы или то, что повторяется в песне по замыслу автора. Это нелёгкая работа, но повторы тоже надо петь по-разному. И всё по той же причине: в начале песни и вы, и зритель, и история, о которой поётся, всё ещё в начале, а в конце — вы все вместе уже пережили драму или комедию или что-то ещё. Вы — другие, зритель — другой, история закончена. А вы — поёте припев так же как в начале! Нет более формального подхода, чем этот! Найдите новые интонации — ведь во время звучания песни могла пройти целая жизнь, а вы так ничего и не поняли! И способов очень много: громче-тише, быстрее-медленнее, мягче-жёстче, с улыбкой-без, акценты тут-акценты там. И это далеко не все способы. Вы, наверное, сами — как зрители — замечали, слушая песню, что часто на припевах становится не то, чтобы скучно, но уже всё понятно: ведь мы слышали этот фрагмент раза два, а то и три — что тут может быть нового?! И наше внимание ослабевает. А вот если вдруг исполнитель каждый припев поёт по-разному, привнося в него новые и новые нюансы, то наше внимание только углубляется, обостряя интерес всё сильнее и сильнее! Вот тут мы уже можем говорить о мастерстве исполнителя!
Пожалуй, самые ценные качества это — чувство меры и адекватность. Если брать их во внимание, то любой зал, любой зритель, скорее всего, окажется «вашим»
Как зритель — зрителю.
Честно говоря, я долго думала перед тем, как написать то, что вы сейчас (я надеюсь) прочитаете. Я даже советовалась с коллегами по артистическому цеху — стОит или не стОит. Далеко не всех касается то, о чём здесь написано. Но написать — напишу! И сразу хочу пояснить: когда стоишь на сцене — об этом думать некогда (такие мысли могут посетить потом, но не на сцене) и всё, что тут написано — высказано именно ОТ ЗРИТЕЛЯ — ЗРИТЕЛЮ!

Всех нас с вами периодически разделяет рампа. Кто-то выходит на сцену, кто-то занимает места в зрительном зале. Причём, многие регулярно бывают по обе стороны рампы: чаще те, кто на сцене — спускается в зал и оказывается в роли зрителя, реже — наоборот, потому что артист — это профессия, большой труд, и человек, который не связан профессионально со сценой, но вдруг попал на неё, именно в этот момент особенно остро понимает — как это не просто, когда на тебя устремлено столько глаз и тебе внимают столько душ! Да, работа артиста непроста именно тем, что РАБОТЫ быть видно не должно. И сколько труда, времени, сил, нервов на неё потрачено — зрителю знать не стоит. Всё должно быть легко и естественно!

Так вот, речь сегодня пойдёт не об артистах, а о зрителях.

Милые зрители! Артист готов сделать всё для того, чтобы вы были с ним! Он вас искренне любит и от всей души вам рад! Это правда! Но иногда бывает, что зритель невольно отвлекает артиста, не помогает ему. Мы сейчас не говорим о злостных недоброжелателях, которые очень редко, но, увы, встречаются. Их действия — на их совести. Я сейчас говорю о тех случаях, когда зритель ненамеренно нарушает творческий процесс. Я сама очень часто бываю в роли зрителя, поэтому, думаю, что могу об этом писать.

Наверное, нужно сказать о том, что ходить по залу во время исполнения и разговаривать — недопустимо! Всякое бывает: иногда нужно срочно уйти или что-то сообщить товарищу. Давайте дождёмся хотя бы аплодисментов! Вы думаете, что артист вас не видит и не слышит? Ошибаетесь! И видит, и слышит! Возможно, вы хотите сказать соседу: как прекрасно поёт или играет этот артист, но таких подробностей сам артист не расслышит, а заметит шум и увидит невнимание с вашей стороны.

Телефоны. Сейчас без них никуда. Очень хорошо, если вы выключили их до начала концерта. Но если вдруг нет — забыли — и он зазвонил, то отключите тихонечко и, конечно, не берите трубку и не говорите громким шепотом: я сейчас на концерте и перезвоню тебе позже. Дайте отбой и напишите сообщение, если уж это так срочно. И всё-таки, лучше его отключить! Имеете же вы право на два часа радости, в которые никто не будет вас отвлекать!

Если вы сидите в концертном зале (а не в клубе или в ресторане), то приносить с собой еду и напитки в зал очень некрасиво! Я была зрителем на концерте одной прославленной певицы. Так вот, когда она ушла на пронзительное пиано, кто-то в зале с пшиком открыл банку чего-то. Стыдно было всем. Это даже не телефон, который зазвонил не по вашей воле. А также конфетки с шуршащими бумажками и пр. пр. отложите, пожалуйста, до антракта.

Дети. Возможно, это самый непростой вопрос. Очень хорошо, что сейчас на афишах стали указывать возрастные ограничения мероприятия. Кстати, администратор зала имеет право не пустить в зал человека с ребёнком, если он младше указанного возраста. Обращайте внимание на цифру в кружочке. Но обычно, даже если на афише не стоИт такая цифра, можно догадаться самостоятельно — по силам ли вашему ребёнку та музыка, которая будет звучать. К сожалению, подчас родители приводят детей, которые пока не доросли до материала. Что в итоге? Ребёнку скучно, он явно даёт об этом знать, артист это слышит, артисту это мешает, он не может сосредоточиться на песне и выложиться полностью, весь зал это чувствует — соответственно страдает и переживает (за свои же деньги). Кому хорошо? Только мамочке, которая пришла с ребёнком. Она-то, в отличие от всего зала (включая артиста) на своего ребёнка уже мало (видимо) реагирует. Ей он не мешает. То есть страдают все: ребёнок, артист, зал. И только родительнице, которая это устроила — прекрасно!

Аплодисменты. Я часто замечала, что в зале бывают люди, которые не аплодируют. Но ведь это почти единственный способ сказать артисту: спасибо! Циничные люди могут сказать: я деньги заплатил. Давайте будем считать так: заплатили за песни, а вдохновение, как известно, не купишь. Так вот, если вы хотите вдохновленного артиста — помогайте ему! Аплодируйте и кричите «браво»! (Так и быть: «браво» можно кричать если вам действительно понравилось). Как-нибудь присмотритесь к артисту повнимательнее сразу после крика браво: он вспыхивает, начинает улыбаться шире, кланяться ниже — он вам ТАК благодарен, что и петь будет вдохновлённей и возвышенней (за те же самые деньги, между прочим — это для циников)!

Попробуйте не срываться с места сразу, как закончится концерт! Поаплодируйте до конца, не торопясь пройдите по залу к выходу — как можно дольше удержите в себе атмосферу праздника, который только что закончился. Не расплескайте её в стремительном беге в гардероб! Конечно, в очереди стоять неохота. Но в этом стоянии тоже можно найти свою прелесть: обсудить концерт, послушать — что говорят другие. Ведь сейчас вы выйдете на улицу, и этот концерт останется лишь воспоминанием… А здесь — в гардеробе — вы пока ещё все вместе, наполнены одним праздником, разделяете одни эмоции! Не спешите нырнуть в ночь!

И ещё одно. Цветы. Самое важное: если вы решили купить цветы — это очень и очень правильно! И спасибо вам за это — каждый артист ждёт этого и будет вам безмерно благодарен! Только обязательно побеспокойтесь, чтобы розы были без шипов!!! Настойчиво требуйте от продавца, чтобы он срезал все шипы — и снизу, и сверху. Это не только неприятно — брать в руки розы с шипами — это ещё и опасно! Особенно для инструменталистов. Укол бывает очень болезненным, можно серьезно повредить руку и выпасть на время из строя. И ещё одно, вернее, два: есть зрители, которые не выносят цветы на сцену, а хотят отдать их артисту за кулисами. Если вы очень стесняетесь, то можно и так, но знайте, что артист-то человек публичный! Ему хочется, чтобы все видели, что ему подарили цветы. Ему так приятней. И последнее: если вы купили цветы и готовы выйти с ними на сцену, то не ждите последней песни! Несите их в первом отделении: во-первых, вам не нужно будет держать их весь концерт, шурша целлофаном, они не будут вам мешать аплодировать. Во-вторых, они так украсят сцену! А в-третьих, цветы вдохновят артиста и он незамедлительно проявит это в следующем же произведении! Не сомневайтесь!
В наше время искусство очень часто похоже на соревнование.

В наше время искусство очень часто похоже на соревнование: кто выше, дальше, быстрее.
Но это прерогатива спорта, где первенство и является сутью.
В искусстве это бессмысленно. Во-первых, всегда найдётся тот, кто сыграет быстрее тебя и споёт громче, а во-вторых, это не есть цель искусства. И поэтому, так как выиграть невозможно — у «спортсменов от искусства» возникает неудовлетворённость и даже, мне кажется, агрессия.
Сейчас на сцене очень много агрессии. (Причём во всех жанрах — от классики до шоу-бизнеса.) И, к сожалению, гораздо меньше стало нюансов, тонкостей, внимания к деталям, пауз, если хотите (пауза — это важнейшая составляющая великой силы искусства!), как это было, скажем, пятьдесят лет назад.
Зато сейчас, когда вдруг услышишь исполнителя, который творит, который действительно здесь и сейчас создаёт произведение искусства, заставляет тебя замереть и затаить дыхание, когда хочется остаться в этом состоянии как можно дольше и потом, много времени спустя, вспоминать об этом, и, вспоминая, переживать те чувства вновь и вновь — вот это и есть счастье, счастье, которое приносит настоящее искусство.
Ритм.
Как-то замечательный гитарист Александр Лаврентьев, с которым я имею счастье работать, задал вопрос: «А как ты думаешь, где начинается музыкант? Многие люди занимаются музыкой, получают образование, работают в этой сфере, но не являются музыкантами. Так вот, где и когда НЕмузыкант становится Музыкантом?» И сам же ответил: «Там, где начинается ритм!»
Честно говоря, чтобы понять это, почувствовать и поверить, мне понадобилось много времени — видимо, это и было время превращения меня в музыканта. Я очень хочу верить в то, что могу носить это почётное звание, хотя повесить его на шею раз и навсегда невозможно. Каждый концерт, каждая нота должна вновь и вновь подтверждать это.
РИТМ — это сердце. Человек может быть мужчиной или женщиной, ребёнком или взрослым, чёрным или белым, даже может не иметь руки или глаза (не дай Бог!). Но пока стучит его сердце — он живёт.
То же и в музыке. Музыка может быть невероятно разной, но если в ней есть ритм — она МУЗЫКА. Причём, ритм — это не что-то статичное, механическое. Ведь и сердце бьётся то сильнее, то тише, то быстрее, то медленнее, так и в музыке — ритм может быть разный, но он ДОЛЖЕН БЫТЬ. Должен быть логичным, гибким, живым, соответствующим музыке, заводящим слушателей, проникающим в сердце и заставляющим его пульсировать с музыкой в унисон.
«Переживали ли Вы все те чувства, о которых поёте?»
А вот вопрос «Переживали ли Вы все те чувства, о которых поёте?» журналисты задавали много раз. Отвечаю: «Не дай Бог!» Я думаю, о тех чувствах, которые ты переживал, петь труднее. Скорее, у артиста работает «память сердца»: те эмоции, которые ты не испытывал сам, но о которых ты знаешь, чувствуешь, как свои.
Наверное, это складывается из опыта наблюдателя, может быть, опыта предков, а, может, даже из опыта прошлой жизни. И ещё, мне кажется, если собственные чувства выносить на сцену — их нужно сначала «переварить» и показать зрителю не процесс переживаний, а результат.
У меня есть программа, посвящённая двум великим певицам двадцатого века. В первом отделении звучат песни — скорее игровые, чем переживательные. А вот во втором — наоборот: лирика.
При первом исполнении этой программы я с удовольствием спела песни первой части, с трепетом ожидая вторую: вот сейчас я расскажу о настоящих чувствах!
Концерт состоялся, осталось ощущение света и радости. А вот через несколько дней я посмотрела видеозапись этого концерта. И поразилась! Всё второе отделение я переживала чувства ОДНА, не делясь ими со зрителями. Нет, конечно, песни звучали, песни всеми любимые, и зрителям радостно было их услышать. Но я поняла, что мои эмоции с трудом перешагивали рампу. Я сама упивалась ими, внутри меня была буря эмоций, но донести её до слушателей в полной мере я тогда не смогла.
Это был важный опыт. Стало понятно, что чувства необходимо сформировать, а уже потом делиться ими со сцены.
Откуда берётся дикция?

Меня часто спрашивают — откуда берётся сценическая дикция? Дикция состоит, как мне кажется, из двух составляющих: понимания того, о чём вы поёте, и тренировки.
Понимание значения каждого слова и чувство каждой буквы обязательно! Тогда вы сможете вашу дикцию сделать «вкусной». Простые примеры. Слово «шуршащий» — если вы согласные произнесёте мягко, то слово прошуршит и его смысл усилится. В слове «длинный» — чуть-чуть удлините букву «и», (это можно сделать, не выходя из общего ритма произведения) и фонетика вашего слова поможет сильнее ощутить его смысловую нагрузку. В слове «нежный» чуть задержитесь на «н» и слово приобретёт нежность и трепет. И так почти с каждым словом.
Второе — тренировка в буквальном смысле слова. Я глубоко убеждена, что со сцены должно быть слышно каждое слово и каждая буква! Но произносимые БЫТОВО (обычно) слова на сцене — не разборчивы! Всё должно быть более внятно и активно сказано. Но как при этом сохранить естественность? Есть способ! При домашних занятиях произносите текст очень утрированно: раскатывая «р», толкая «п», «к», высвистывая «с», жужжа «ж», выстреливая «т» и так далее. И когда вы отпустите свой речевой аппарат и уже не будете вгрызаться в текст, а произнесёте его просто, вдруг заметите, что все буквы слышатся лучше, значит и дикция в целом стала яснее и чётче. Это своеобразный фитнес для мышц лица.
И еще так легче выучить текст наизусть: кроме зрительной, слуховой памяти включается мышечная, и мышцы в нужный момент, если вдруг засомневается память, поведут вас к нужному слову.
Я очень хороший зритель и слушатель.
Особенно ярко это выражается в моих аплодисментах. Иногда соседи по зрительному залу просят меня аплодировать несколько тише: говорят — уши закладывает:-)Мне кажется, что именно так зритель может не только поблагодарить артиста, но и выразить степень своего участия в концерте, спектакле. Зритель, мне кажется, самый важный человек любого сценического действа: он — главный вдохновитель творческого процесса, для него артисты терпят муки творчества, ему хотят донести и рассказать обо всём, что наболело! И я не могу понять людей, которые приходят на концерты и не аплодируют! Самое обидное, что они СЕБЯ обделяют, не желая участвовать в происходящем, потому что, как говорится в старинном анекдоте — хочешь выиграть в лотерею? Так для начала хотя бы купи билет! Точно так же — хочешь получить удовольствие от происходящего перед тобой (тем более, что билет на концерт ты уже купил) — откройся, прими участие, отзовись — и получишь несравнимо большее удовольствие!
Вы спросите, а если мне не нравится то, что происходит на сцене? Я отвечу! Потом, дома вы скажете — совсем не понравилось! Не моё! Не интересно! Больше не пойду! А сейчас, на концерте — будем благодарны артисту хотя бы за то, что он старался! (Если, конечно, он не конченый халтурщик!).
Размышления о романсе.

Думаю, что романс — это самый трудный из всех вокальных жанров. Сейчас объяснюсь. Но хочу сразу уточнить, что любой жанр, если относиться к нему серьёзно, очень труден! Это не обсуждается.

Так в чём же мне видится самая большая трудность моего любимого жанра? Обо всём по порядку.

Опера, на мой взгляд, это ВОКАЛ. И чем его больше, чем он мощнее и красивее, тем лучше и для певца, и для самой оперы.

Джаз — это СВОБОДА. Настоящий джазист не бывает зажат. Вокала может быть больше, меньше — здесь это не так важно. Главное — внутренняя свобода.

Авторская песня — это ТЕКСТ. Всё-таки, он здесь главный. В этом жанре с текстом переборщить нельзя. Он всегда первичен.

Фольклор — это СОСТОЯНИЕ. (Восхищаюсь фольклористами! Они абсолютно спокойно могут петь 64 куплета, нисколько не смущаясь тем, что на 34 куплете зрителю становится скучно. Настоящие фольклористы всегда продолжают настаивать на своём и, в конце концов, находясь в должном состоянии, погружают в медитацию весь зал.)

Рок-музыка — это РИТМ. Если есть настоящий ритм, всё остальное не так уж и важно. Как сказал один хороший музыкант: «Нота — дура, ритм — молодец». И я с ним согласна:-). О ритме мне хочется поговорить как-нибудь отдельно.

Поп-музыка — это ШОУ и ЭКСТЕРЬЕР.

А вот романс — это ЧУВСТВО МЕРЫ. А с эти чувством, как известно, самая большая напряжёнка и не только в музыке.

В романсе тоже необходим вокал, причем грамотный, поставленный, однако, если его слишком много, то, как правило, пропадает текст (этим, к сожалению, грешат оперные певцы, считая романс легким для себя жанром, размахивая своим голосом, как знаменем, совершенно не заботясь о словах).

Когда вокала мало — это тоже плохо, потому что романс — всё-таки вокальный жанр, без вокала получается самодеятельность.

Текста тоже должно быть в меру: мало нельзя — романс это драматическое произведение, и много нельзя — есть опасность уйти в авторскую песню. Это не плохо, но это не романс.

Состояние — обязательно, но ровно настолько, чтобы за три, а то и за два куплета успеть погрузиться в произведение самому, погрузить слушателя, и выйти оттуда вместе — впечатленными, одухотворёнными и… готовыми окунуться в новую романсовую историю.

Шоу и экстерьер — необходимы. Концертный костюм, да не простой, а соответствующий — неотъемлемая часть романсовой программы. Шоу, а лучше сказать — представление, а еще лучше — минитеатр — основа романсового концерта, только опять-таки в меру, чтобы зрелище не затмило сам романс; ведь романс — жанр хрупкий, легко ранимый, а «интерьер» в нём не менее важен, чем экстерьер.

Ритм — обязательно! Без ритма вообще не жизнь! Но ровно настолько, чтобы он стучал как сердце: все знают, что оно есть, что оно стучит, но никто извне его не слышит.

Конечно, в каждом жанре важен и текст, и вокал, и ритм, и свобода, и состояние, и сценический вид, но я говорю о явных приоритетах, расставленных исполнителями этих жанров, по крайней мере, так мне это видится.

А вот в романсе, в настоящем исполнении романса, нет приоритетов: нужно всё вышеперечисленное, и всё, как я уже написала — В МЕРУ!

P. S. Всё-таки недосказанность и неточные формулировки не дают спокойно спать!:-)
ТРУДный жанр — это неточно. Все жанры трудны, потому что требуют много ТРУДа. А романс, скорее, СЛОЖНЫЙ жанр, думаю, самый сложный. Именно потому, что СЛОЖЕН из большого количества составляющих без явных приоритетов, в нём всё важно, как я уже писала. (Хорошо, что русский язык так богат!)